Sie haben eine Idee für ein Theaterstück - vielleicht eine sehr gute Idee. Sie möchten es zu einer komödiantischen oder dramatischen Handlung ausbauen, aber wie? Obwohl Sie vielleicht direkt in das Schreiben eintauchen möchten, wird Ihr Spiel viel stärker, wenn Sie die Zeit damit verbringen, Ihre Handlung zu planen, bevor Sie mit Ihrem ersten Entwurf beginnen. Sobald Sie sich ein Brainstorming zu Ihrer Erzählung gemacht und Ihre Struktur skizziert haben, wird das Schreiben Ihres Stücks eine viel weniger entmutigende Aufgabe sein.
Schritte
Teil 1 von 3: Brainstorming Ihrer Erzählung
Schritt 1. Entscheiden Sie, welche Art von Geschichte Sie erzählen möchten
Obwohl jede Geschichte anders ist, fallen die meisten Stücke in Kategorien, die dem Publikum helfen zu verstehen, wie die Beziehungen und Ereignisse, die es sieht, zu interpretieren sind. Denken Sie über die Charaktere nach, die Sie schreiben möchten, und überlegen Sie dann, wie sich ihre Geschichten entwickeln sollen. Tun sie:
- Sie müssen ein Rätsel lösen? Manchmal können Sie sogar andere Leute das Skript für Sie schreiben lassen.
- Durch eine Reihe von schwierigen Ereignissen gehen, um persönliches Wachstum zu erreichen?
- Erwachsen werden durch den Übergang von kindlicher Unschuld zur weltlichen Erfahrung?
- Auf eine Reise gehen, wie die gefährliche Reise von Odysseus in The Odyssey?
- Ordnung ins Chaos bringen?
- Eine Reihe von Hindernissen überwinden, um ein Ziel zu erreichen?
Schritt 2. Brainstorme die grundlegenden Teile deines Erzählbogens
Der Erzählbogen ist der Verlauf des Stücks durch Anfang, Mitte und Ende. Die Fachbegriffe für diese drei Teile sind Exposition, aufsteigende Handlung und Auflösung, und sie kommen immer in dieser Reihenfolge. Unabhängig davon, wie lang Ihr Stück ist oder wie viele Akte Sie haben, ein gutes Stück wird alle drei Teile dieses Puzzles entwickeln. Machen Sie sich Notizen darüber, wie Sie jeden einzelnen ausarbeiten möchten, bevor Sie sich hinsetzen, um Ihr Stück zu schreiben.
Schritt 3. Entscheiden Sie, was in die Exposition aufgenommen werden soll
Die Exposition eröffnet ein Theaterstück, indem sie grundlegende Informationen bereitstellt, die zum Verfolgen der Geschichte erforderlich sind: Wann und wo spielt diese Geschichte? Wer ist der Hauptcharakter? Wer sind die Nebenfiguren, einschließlich des Antagonisten (Person, die die Hauptfigur mit ihrem zentralen Konflikt darstellt), wenn Sie einen haben? Was ist der zentrale Konflikt, mit dem diese Charaktere konfrontiert werden? Welche Stimmung hat dieses Stück (Komödie, Liebesdrama, Tragödie)?
Schritt 4. Überführen Sie die Exposition in eine aufsteigende Handlung
In der aufsteigenden Handlung entfalten sich die Ereignisse auf eine Weise, die die Umstände für die Charaktere erschwert. Der zentrale Konflikt rückt in den Fokus, wenn die Ereignisse die Spannung des Publikums immer höher werden lassen. Dieser Konflikt kann mit einem anderen Charakter (Antagonist), mit einer äußeren Bedingung (Krieg, Armut, Trennung von einem geliebten Menschen) oder mit sich selbst (z. B. die eigene Unsicherheit überwinden) sein. Die aufsteigende Handlung gipfelt im Höhepunkt der Geschichte: dem Moment höchster Spannung, in dem sich der Konflikt zuspitzt.
Schritt 5. Entscheiden Sie, wie sich Ihr Konflikt von selbst löst
Die Auflösung löst die Spannung aus dem klimatischen Konflikt, um den Erzählbogen zu beenden. Sie können ein Happy End haben, bei dem die Hauptfigur bekommt, was sie will; ein tragisches Ende, bei dem das Publikum etwas aus dem Versagen der Hauptfigur lernt; oder eine Auflösung, in der alle Fragen beantwortet werden.
Schritt 6. Verstehe den Unterschied zwischen Handlung und Geschichte
Die Erzählung Ihres Stücks besteht aus der Handlung und der Geschichte – zwei getrennte Elemente, die zusammen entwickelt werden müssen, um ein Stück zu schaffen, das die Aufmerksamkeit Ihres Publikums fesselt. E. M. Forster definierte Geschichte als das, was im Stück passiert – die chronologische Entfaltung von Ereignissen. Auf der anderen Seite kann man sich die Handlung als die Logik vorstellen, die die Ereignisse, die sich durch die Handlung entfalten, verbindet und sie emotional macht. Ein Beispiel für den Unterschied ist:
- Story: Die Freundin des Protagonisten hat sich von ihm getrennt. Dann verlor der Protagonist seinen Job.
- Inhalt: Die Freundin des Protagonisten hat mit ihm Schluss gemacht. Mit gebrochenem Herzen erlitt er einen emotionalen Zusammenbruch bei der Arbeit, der zu seiner Entlassung führte.
- Sie müssen eine Geschichte entwickeln, die fesselnd ist und die Handlung des Stücks schnell genug vorantreibt, um die Aufmerksamkeit des Publikums zu erhalten. Gleichzeitig müssen Sie zeigen, wie die Aktionen alle durch Ihre Handlungsentwicklung kausal verknüpft sind. Auf diese Weise sorgen Sie dafür, dass sich das Publikum für die Ereignisse auf der Bühne interessiert.
Schritt 7. Entwickeln Sie Ihre Geschichte
Sie können die emotionale Resonanz der Handlung nicht vertiefen, bis Sie eine gute Geschichte haben. Machen Sie sich Gedanken über die grundlegenden Elemente der Geschichte, bevor Sie sie mit Ihrem eigentlichen Text ausarbeiten, indem Sie die folgenden Fragen beantworten:
- Wo spielt deine Geschichte?
- Wer ist dein Protagonist (Hauptfigur) und wer sind die wichtigen Nebenfiguren?
- Was ist der zentrale Konflikt, mit dem sich diese Charaktere auseinandersetzen müssen?
- Was ist der „anregende Vorfall“, der die Haupthandlung des Stücks auslöst und zu diesem zentralen Konflikt führt?
- Was passiert mit Ihren Charakteren, wenn sie mit diesem Konflikt umgehen?
- Wie wird der Konflikt am Ende der Geschichte gelöst? Wie wirkt sich das auf die Charaktere aus?
Schritt 8. Vertiefen Sie Ihre Geschichte mit Handlungsentwicklung
Denken Sie daran, dass die Handlung die Beziehung zwischen allen Elementen der Geschichte entwickelt, die im vorherigen Schritt aufgelistet wurden. Wenn Sie über die Handlung nachdenken, sollten Sie versuchen, die folgenden Fragen zu beantworten:
- Wie sind die Beziehungen zwischen den Charakteren?
- Wie interagieren die Charaktere mit dem zentralen Konflikt? Welche sind davon am stärksten betroffen und wie wirkt sich das auf sie aus?
- Wie können Sie die Geschichte (Ereignisse) strukturieren, um die notwendigen Charaktere mit dem zentralen Konflikt in Kontakt zu bringen?
- Was ist der logische, beiläufige Verlauf, der jedes Ereignis zum nächsten führt und sich in einem kontinuierlichen Fluss zum Höhepunkt und zur Auflösung der Geschichte aufbaut?
Teil 2 von 3: Entscheiden Sie sich für die Struktur Ihres Spiels
Schritt 1. Beginnen Sie mit einem Einakter, wenn Sie noch nicht mit dem Schreiben von Theaterstücken vertraut sind
Bevor Sie das Stück schreiben, sollten Sie ein Gefühl dafür haben, wie Sie es strukturieren möchten. Der Einakter läuft ohne Unterbrechungen direkt durch und ist ein guter Ausgangspunkt für Neueinsteiger. Beispiele für Einakter sind "The Bond" von Robert Frost und Amy Lowell und "Gettysburg" von Percy MacKaye. Obwohl der Einakter die einfachste Struktur hat, denken Sie daran, dass alle Geschichten einen Erzählbogen mit Exposition brauchen. steigende Spannung und Auflösung.
Da Einakter keine Pausen haben, fordern sie einfachere Sets und Kostümwechsel. Halten Sie Ihre technischen Anforderungen einfach
Schritt 2. Begrenzen Sie nicht die Länge Ihres Einakters
Die Einakterstruktur hat nichts mit der Dauer der Aufführung zu tun. Diese Stücke können in ihrer Länge stark variieren, wobei einige Produktionen nur 10 Minuten und andere über eine Stunde lang sind.
Flash-Dramen sind sehr kurze Einakter, die von wenigen Sekunden bis zu etwa 10 Minuten dauern können. Sie eignen sich hervorragend für Theateraufführungen in Schulen und Gemeinden sowie für Wettbewerbe speziell für Flash-Theater. Ein Beispiel für ein Flash-Drama finden Sie in „A Time of Green“von Anna Stillaman
Schritt 3. Erlauben Sie komplexere Sets mit einem Zweiakter
Der Zweiakter ist die häufigste Struktur im zeitgenössischen Theater. Obwohl es keine Regel gibt, wie lange jeder Akt dauern sollte, dauern die Akte im Allgemeinen etwa eine halbe Stunde und geben dem Publikum eine Pause mit einer Pause zwischen ihnen. Die Pause gibt dem Publikum Zeit, die Toilette zu benutzen oder einfach nur zu entspannen, darüber nachzudenken, was passiert ist und den Konflikt zu diskutieren, der im ersten Akt präsentiert wurde. Es ermöglicht Ihrer Crew jedoch auch, umfangreiche Änderungen an Set, Kostüm und Make-up vorzunehmen. Die Pausen dauern in der Regel etwa 15 Minuten, also halten Sie die Aufgaben Ihrer Crew für diese Zeit in einem angemessenen Rahmen.
Beispiele für Theaterstücke in zwei Akten finden Sie in Peter Weiss' "Hölderlin" oder Harold Pinters "The Homecoming"
Schritt 4. Passen Sie die Handlung an die Zwei-Akt-Struktur an
Die Zwei-Akt-Struktur verändert nicht nur die Zeit, die Ihrer Crew für technische Anpassungen zur Verfügung steht. Da das Publikum mitten im Stück eine Pause macht, kann man die Geschichte nicht als eine fließende Erzählung behandeln. Sie müssen Ihre Geschichte um die Pause herum strukturieren, um das Publikum am Ende des ersten Akts angespannt und verwundert zu lassen. Wenn sie aus der Pause zurückkommen, sollten sie sofort wieder in die steigende Spannung der Geschichte hineingezogen werden.
- Der „anstiftende Vorfall“sollte etwa in der Mitte des ersten Aktes nach der Hintergrunddarstellung stattfinden.
- Verfolgen Sie den anregenden Vorfall mit mehreren Szenen, die die Spannung des Publikums erhöhen – ob dramatisch, tragisch oder komödiantisch. Diese Szenen sollten auf einen Konfliktpunkt hin aufbauen, der den ersten Akt beenden wird.
- Beende den ersten Akt kurz nach dem höchsten Spannungspunkt in der Geschichte bis zu diesem Punkt. Das Publikum wird in der Pause Lust auf mehr haben und eifrig auf den zweiten Akt zurückkommen.
- Beginnen Sie den zweiten Akt an einem niedrigeren Spannungspunkt als dort, wo Sie mit dem ersten Akt aufgehört haben. Sie möchten das Publikum wieder in die Geschichte und ihren Konflikt zurückführen.
- Präsentieren Sie mehrere Szenen im zweiten Akt, die den Konflikt in Richtung des Höhepunkts der Geschichte oder des höchsten Punkts der Spannung und des Konflikts kurz vor dem Ende des Stücks erhöhen.
- Entspanne das Publikum bis zum Ende mit fallender Action und Auflösung. Obwohl nicht alle Stücke ein Happy End brauchen, sollte das Publikum das Gefühl haben, dass die Spannung, die Sie während des Stücks aufgebaut haben, gelöst wurde.
Schritt 5. Gehen Sie längere, komplexere Handlungen mit einer Drei-Akt-Struktur vor
Wenn Sie mit dem Schreiben von Theaterstücken noch nicht vertraut sind, möchten Sie vielleicht mit einem ein- oder zweiaktigen Stück beginnen, da ein abendfüllendes Dreiakterstück Ihr Publikum möglicherweise zwei Stunden lang auf seinen Plätzen halten kann! Es braucht viel Erfahrung und Geschick, um eine Produktion zusammenzustellen, die ein Publikum so lange fesseln kann, daher möchten Sie vielleicht zuerst Ihren Blick nach unten richten. Wenn die Geschichte, die Sie erzählen möchten, jedoch komplex genug ist, ist ein Spiel in drei Akten möglicherweise die beste Wahl. Genau wie das 2-Akt-Stück ermöglicht es in den Pausen zwischen den Akten größere Änderungen an Bühnenbild, Kostümen usw. Jeder Akt des Stücks sollte sein eigenes Storytelling-Ziel erreichen:
- Akt 1 ist die Exposition: Nehmen Sie sich Zeit, um die Charaktere und Hintergrundinformationen vorzustellen. Sorgen Sie dafür, dass sich das Publikum um die Hauptfigur (den Protagonisten) und seine Situation kümmert, um eine starke emotionale Reaktion zu gewährleisten, wenn etwas schief geht. Der erste Akt sollte auch das Problem einführen, das sich im weiteren Verlauf des Stücks entwickeln wird.
- Akt 2 ist die Komplikation: Der Einsatz wird für den Protagonisten höher, je schwieriger das Problem zu navigieren ist. Eine gute Möglichkeit, den Einsatz im zweiten Akt zu erhöhen, besteht darin, eine wichtige Hintergrundinformation kurz vor dem Höhepunkt des Akts preiszugeben. Diese Offenbarung sollte dem Protagonisten Zweifel wecken, bevor er oder sie die Kraft findet, den Konflikt in Richtung einer Lösung durchzudrücken. Akt 2 sollte mutlos enden, die Pläne des Protagonisten liegen in Trümmern.
- Akt 3 ist die Auflösung: Der Protagonist überwindet die Hindernisse des zweiten Akts und findet einen Weg zum Abschluss des Stücks. Beachten Sie, dass nicht alle Stücke ein Happy End haben; der Held kann als Teil der Auflösung sterben, aber das Publikum sollte etwas daraus lernen.
- Beispiele für Theaterstücke in drei Akten sind Honore de Balzacs „Mercadet“und John Galsworthys „Pigeon: A Fantasy in Three Acts“.
Teil 3 von 3: Dein Stück schreiben
Schritt 1. Skizzieren Sie Ihre Handlungen und Szenen
In den ersten beiden Abschnitten dieses Artikels haben Sie Ihre Grundideen zum Erzählbogen, zur Entwicklung der Geschichte und Handlung sowie zur Spielstruktur entwickelt. Bevor Sie sich nun hinsetzen, um das Stück zu schreiben, sollten Sie all diese Ideen in eine ordentliche Gliederung bringen. Legen Sie für jeden Akt fest, was in jeder Szene passiert.
- Wann werden wichtige Charaktere eingeführt?
- Wie viele verschiedene Szenen haben Sie und was passiert in jeder Szene konkret?
- Stellen Sie sicher, dass sich die Ereignisse jeder Szene auf die nächste Szene beziehen, um die Entwicklung der Handlung zu erreichen.
- Wann benötigen Sie möglicherweise Satzänderungen? Kostümwechsel? Berücksichtigen Sie diese technischen Elemente, wenn Sie skizzieren, wie sich Ihre Geschichte entwickeln wird.
Schritt 2. Gestalten Sie Ihre Gliederung, indem Sie Ihr Stück schreiben
Sobald Sie Ihre Gliederung haben, können Sie Ihr eigentliches Stück schreiben. Holen Sie sich zunächst einfach Ihren Basisdialog auf die Seite, ohne sich Gedanken darüber zu machen, wie natürlich der Dialog klingt oder wie sich die Schauspieler auf der Bühne bewegen und ihre Darbietungen geben. Im ersten Entwurf will man einfach „schwarz auf weiß werden“, wie Guy de Maupassant sagte.
Schritt 3. Arbeiten Sie daran, einen natürlichen Dialog zu schaffen
Sie möchten Ihren Schauspielern ein solides Drehbuch geben, damit sie die Zeilen auf eine Weise liefern können, die menschlich, real und emotional kraftvoll erscheint. Nehmen Sie auf, wie Sie die Zeilen aus Ihrem ersten Entwurf laut vorlesen, und hören Sie sich dann die Aufnahme an. Notieren Sie sich Punkte, an denen Sie roboterhaft oder übermäßig großartig klingen. Denken Sie daran, dass Ihre Charaktere auch in literarischen Stücken wie normale Menschen klingen müssen. Sie sollten nicht so klingen, als würden sie ausgefallene Reden halten, wenn sie sich am Esstisch über ihre Arbeit beschweren.
Schritt 4. Erlauben Sie Konversationen, Tangenten zu nehmen
Wenn Sie mit Ihren Freunden sprechen, bleiben Sie selten konzentriert bei einem einzigen Thema. Während in einem Stück das Gespräch die Charaktere auf den nächsten Konflikt lenken muss, sollten Sie kleine Ablenkungen zulassen, damit es sich realistisch anfühlt. In einer Diskussion darüber, warum sich die Freundin des Protagonisten von ihm getrennt hat, kann es beispielsweise eine Folge von zwei oder drei Zeilen geben, in denen die Sprecher darüber streiten, wie lange sie überhaupt schon zusammen sind.
Schritt 5. Fügen Sie Unterbrechungen in Ihren Dialog ein
Auch wenn wir nicht unhöflich sind, unterbrechen sich die Leute ständig im Gespräch – sei es nur, um mit einem „Ich verstehe, Mann“oder einem „Nein, du hast völlig recht“zu sprechen. Die Leute unterbrechen sich auch, indem sie innerhalb ihrer eigenen Sätze die Spur wechseln: "Ich habe nur - ich meine, es macht mir wirklich nichts aus, an einem Samstag dorthin zu fahren, es ist nur so - hör zu, ich habe in letzter Zeit nur sehr hart gearbeitet."
Scheuen Sie sich auch nicht, Satzfragmente zu verwenden. Obwohl wir darauf trainiert sind, beim Schreiben niemals Fragmente zu verwenden, verwenden wir sie ständig, wenn wir sprechen: „Ich hasse Hunde. Alle von ihnen."
Schritt 6. Fügen Sie Regieanweisungen hinzu
Regieanweisungen lassen die Schauspieler Ihre Vision von dem, was sich auf der Bühne abspielt, verstehen. Verwenden Sie Kursivschrift oder Klammern, um Ihre Regieanweisungen vom gesprochenen Dialog abzuheben. Während die Schauspieler ihre eigene kreative Lizenz verwenden, um Ihre Worte zum Leben zu erwecken, können einige spezifische Anweisungen, die Sie geben, Folgendes umfassen:
- Gesprächshinweise: [langes, unangenehmes Schweigen]
- Körperliche Handlungen: [Silas steht auf und geht nervös auf und ab]; [Margaret kaut an ihren Nägeln]
- Emotionale Zustände: [Ängstlich], [Begeistert], [Hebt das schmutzige Hemd auf, als ob es davon angewidert wäre]
Schritt 7. Schreiben Sie Ihren Entwurf so oft wie nötig um
Sie werden Ihr Spiel nicht mit dem ersten Entwurf auf den Punkt bringen. Selbst erfahrene Autoren müssen mehrere Entwürfe eines Theaterstücks schreiben, bevor sie mit dem Endprodukt zufrieden sind. Beeilen Sie sich nicht! Fügen Sie mit jedem Durchgang weitere Details hinzu, die Ihre Produktion zum Leben erwecken.
- Denken Sie auch beim Hinzufügen von Details daran, dass die Löschtaste Ihr bester Freund sein kann. Wie Donald Murray sagt, muss man „das Schlechte schneiden, um das Gute zu enthüllen“. Entfernen Sie alle Dialoge und Ereignisse, die nicht zur emotionalen Resonanz des Stücks beitragen.
- Der Rat des Schriftstellers Leonard Elmore gilt auch für Theaterstücke: „Versuchen Sie, die Rolle wegzulassen, die die Leser überspringen.“
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Tipps
- Lesen Sie das Drehbuch vor einem kleinen Publikum laut vor. Theaterstücke basieren auf Worten, und diese Macht oder das Fehlen derselben wird beim Sprechen schnell offensichtlich.
- Die meisten Stücke spielen zu bestimmten Zeiten und an bestimmten Orten, also seien Sie konsequent. Ein Charakter in den 1930er Jahren konnte telefonieren oder einen Telegrafen senden, aber nicht fernsehen.
- Schreiben Sie viele Entwürfe, auch wenn Sie mit dem ersten, das Sie schreiben, zufrieden sind.
- Lassen Sie das Stück nicht an einem geheimen Ort, versuchen Sie, sichtbar zu machen, dass Sie ein Autor sind!
- Stellen Sie sicher, dass Sie es immer am Laufen halten, wenn Sie beim Auflegen der Show eine Zeile vergessen, die sie sich ausdenken! Manchmal ist es sogar besser als die Originallinie!
- Überprüfen Sie die Quellen am Ende dieses Artikels auf das richtige Wiedergabeformat und befolgen Sie die festgelegten Richtlinien.
Warnungen
- Ablehnung überwiegt bei weitem die Akzeptanz, aber lassen Sie sich nicht entmutigen. Wenn Sie müde werden, wenn ein Stück ignoriert wird, schreiben Sie ein anderes.
- Schützen Sie Ihre Arbeit. Stellen Sie sicher, dass die Titelseite des Stücks Ihren Namen und das Jahr enthält, in dem Sie das Stück geschrieben haben, vor dem Copyright-Symbol: ©.
- Die Theaterwelt ist voller Ideen, aber achten Sie darauf, dass Sie eine Geschichte originell behandeln. Die Geschichte eines anderen zu stehlen ist nicht nur moralisch bankrott, und Sie werden mit ziemlicher Sicherheit erwischt.
